マティーニにオリーブは3つ。それがニューヨークスタイル

――制作は、具体的にどのように進んだのでしょうか？

川島： 2025年11月に最初の提案資料をまとめました。撮影のアイデアは1週間ほどかけて考え、提案後も何度かフィードバックをいただきながら方向性を詰めていきました。その年のクリスマス前には、ニューヨークで撮影を行っています。

近藤：店舗のオープンが2026年5月なので、振り返ると、撮影までの期間は想像以上に短かったんですね。新店舗はまだ完成前でしたが、空間のデザインはある程度決まっていたので、最初の段階から共有していました。

川島：実際に訪れたときは、店舗はまだ工事中でした。現場で見つけたレンガのような建築資材を持ち帰って撮影したり、SO–ILの事務所を訪ね、ガラスのサンプルを持ち帰って回してみたり。うまくいかなかったものもありますが、最終的に発表したものの倍以上のモチーフを撮影したと思います。

撮影中の様子

川島：撮影はスタジオで行いましたが、日本から持参した服づくりの道具もあれば、ニューヨークのイエローキャブのドアのように、現地でしか手に入らないものもありました。セットとしてつくり込むのではなく、実際に使われている道具や本物の素材を用いることにはこだわりました。「とりあえず回してみよう。何か起こるかもしれない」という感覚で、実験を重ねていたんです。

近藤：現地スタッフに話を聞けたことも大きかったですね。例えば、今回のモチーフのひとつである紙コップも、彼らから出てきたアイデアなんです。ニューヨークには自由の女神のような有名な象徴がたくさんありますが、それよりも、地元の人たちに親しまれている、ニューヨークらしいものは何か。尋ねてみると、私自身も知らなかったものが次々と挙がってきました。

川島：マティーニにオリーブは3つ入れるのがニューヨークスタイル。そうした発見も面白かったですね。

近藤：紙コップと歴史的な建築物では、生まれた時代も役割も違います。でも、優劣をつけずに同じ視点で捉えることで、それぞれが持つ美しさが見えてくる。それに、私にとって「時間」はものづくりにおける重要なキーワードでもあります。モチーフが回転することで、静止した写真のなかに時間の流れを感じられるところも面白いですね。

撮影で使われたモチーフたち

川島：撮影から最終納品までには約3か月あったので、ポストプロダクションでも実験を重ねました。回転のスピードを変えたり、写真を重ねたり。撮影した時点で完成ではなく、そこから何度も検証していったんです。

田中：結果的に、とてもイッセイ ミヤケらしい表現になったと思います。イメージと言葉、コンセプトは、それぞれ単体では成立していても、1枚のビジュアルに統合したとき、必ずしも一致するとは限りません。方向性は間違っていないはずでも、最終的にロゴまで入ったとき、これまで議論してきたことがきちんと体現されているか。モチーフや色調、回転によるブレや重なりの程度、シリーズとしての連続性まで、検討する必要があります。

川島さんたちがさまざまな試みを重ね、私たちも率直に意見を交わせたからこそ、最終的にイッセイ ミヤケらしい表現にたどり着けたのだと思います。

――当初は複数のモチーフの写真を重ねる案もあったそうですね。最終的に、写真1枚につき1つのモチーフになったのはなぜでしょうか。

川島：5枚重ねたものから3枚、2枚、1枚だけのものまで、さまざまなパターンを並べて検討しました。もともとは複数のモチーフが重なることで、何が起こるかわからないという偶然性も表現したかったんです。イッセイ ミヤケのものづくりにも、最終的にどうなるかわからない可能性を探求する面白さがありますから。結果的にはモチーフは1つがいいという結論になりました。

1つのモチーフに行きつくまでに、モチーフを重ねた様子

田中：重ねる表現にも可能性はあったと思います。ただ、モチーフが1つだと、見る人がそのもの自体についてじっくり考えていられるんです。

例えば、リンゴはリンゴだとわかる。でも、回転する軸が少しぶれることで、ヘタが2つに見えたり、別の造形が生まれたりする。変化はありながらも、もの自体はどっしりと存在していて、見る人が自由に想像を巡らせる余地があるんです。一方でモチーフが2つになると、その間に関係性が生まれます。見る人はそれぞれのもの自体よりも、その関係性を読み解こうとする。今回のビジュアルでは、少し意味が広がりすぎるように感じました。

ただ、ビジュアルは1枚だけではなく、さまざまなモチーフを並べて見たいと思いました。その広がりをもっと感じたかったんです。最終的にビジュアルの点数が増えたのも、そうした理由からだと思います。

――完成したビジュアルシリーズは、広告や印刷物を通じてニューヨークの街のさまざまな場所に展開されました。

川島：ブランドには、ナラティブを通して表現することで成立するものと、コンセプトそのもので成立するものがあると思うんです。イッセイ ミヤケは、まさに後者。何かが起こる筋書きを用意しなくても、「回す」というシンプルな行為だけで表現が成り立つ。そうしたコンセプチュアルなアプローチができるのは、つくり手としてうれしいことです。

街での広告展開 © ISSEY MIYAKE INC.（Photography: Masaya Yoshimura, Copist）

田中：イッセイ ミヤケには、ひとつの概念を貫き通す強さがありますよね。表現には常に新しさがあるけれど、根底にある思想はぶれない。だからこそ、私たちも「イッセイ ミヤケだったら」ということを前提に、思い切った表現を考えられるんです。ほかのブランドでは、これはなかなか成立しない。

近藤：たしかに、同じビジュアルでも、そこにほかのブランド名が入っていたら受け取られ方は違うかもしれません。今回のビジュアルは、必ずしも私たちがつくったものではなく、日常にあるさまざまなものです。でも、そこに「ISSEY MIYAKE」とロゴがあることで、ものをフラットに見る姿勢や、これまでのものづくりを重ねて考えてくださる方もいるかもしれない。

そういえば田中さん、今回ロゴを真ん中に置いたのは結構珍しいですよね。普段は、もっと控えめに入れることが多いので。

田中：そうですね。でも、今回はここしかなかったですね。本当に、ど真ん中です。

© ISSEY MIYAKE INC.（Photography: Masaya Yoshimura, Copist）

役割を超えて、ともに創造する

――みなさんのように率直に考えを交わせるチームは、どのように生まれるものだと思いますか？

近藤：私自身、最初に大切にしている考え方を共有したら、あとは信頼してお任せするところがあります。一緒にものづくりをする方々には、できるだけ自由に考えられる余白を残したい。お二人とも、自然体で話せる関係だと感じています。

川島：僕も本当に自然体でしたね。そもそもイッセイ ミヤケほどクリエイティブを尊重している会社を、僕はほかに知りません。自分が面白いと思うことを率直に提案できる環境があるんです。

あと、僕はクリエイティブディレクションの仕事の半分はコンセプトをつくること、もう半分は面白い状況をつくることだと考えています。そこにはチームづくりも含まれていて、トップダウンではなく、横並びで一緒に考えていく関係を大切にしていますが、今回もそれが自然とできていたように思います。

田中：私も最近、「役割はあるけれど、役割がないようなチーム」が大切なのではないかと考えていました。例えば「アートディレクターとしてどう思いますか？」と聞かれると、どうしてもその役割に沿った答えを考えてしまう。でも、決められた役割を果たすだけでなく、それぞれが自分にできることを考え、必要なところに自発的に関わっていく。そうしたチームのほうが、面白いものを生み出せる気がします。

私自身、ひと言では肩書きや役割を説明できない人に惹かれます。決まった役割にとらわれず、自分から提案したり、状況に応じて立ち位置を変えたりする。そういう環境をつくること自体が、とてもクリエイティブだと思います。その意味で、お二人はとても柔軟で、好奇心が強い。面白いものを見つけたら、素直にその面白さを共有できる。そういう関係性がいいなと思いますし、自分もそうありたい。

近藤：私もお二人からは、いつも学ぶことがたくさんあります。目の前の仕事だけでなく、少し先の時代にも目を向けながら、独自の解釈を加えた提案をしてくれる。だからこそ、一緒に話すこと自体がいつも楽しみなんです。私は決して友達が多いほうではないんですが、川島さんとは、仕事を超えて友達になれそうな気がしています（笑）。

川島：嬉しいです。僕も最近、「友達」という言葉について考えることがありました。自分がパリに拠点を移すことになったきっかけのひとつが、一緒に仕事をした人から「友達だから言うんだけど」と相談されたことでした。パリにも自分を友達と呼んでくれる人がいるんだと思うと、すごく安心したんです。40代になって、そういう関係があることのありがたさを改めて感じています。

――近藤さんから「少し先の時代」という言葉が出ましたが、皆さんはものづくりを通して、今という時代をどのように捉えているのか、最後に聞かせてください。

田中：私は、自分のやっていることを通してしか、時代を見ることはできないと思っています。世の中のあらゆる情報を知っているわけではなく、自分が取り組んでいるものづくりについては、深く掘り下げて考えている。その過程で、「今はこういう状況なのか」と見えてくるものがある。

それが必ずしも、社会や時代の全体像を捉えているとは限りません。でも、自分が何を考え、何をつくろうとしているのかを突き詰めていくことが、結果的に、今という時代への自分なりの応答や問いかけにもなっていくのだと思います。

川島：僕も、自分の感覚を信じたいですね。「世の中ではこれが流行っているから」と言われても、そこに実感がなければ、表現としての説得力は生まれない。むしろ、過去に体験したことを今の感覚でどう拾い上げるか。5年前の出来事が今になって意味を持つかもしれないし、10年後に表現につながることもある。自分というフィルターを通してしか世界を見られないからこそ、その感覚を大切にしたいと思っています。

近藤：衣服の世界は時間の流れが速いですが、その速さに惑わされないようにしたいとずっと考えています。田中さんの話にも通じますが、自分のものづくりを通して、自然とその時代が表現されていけばいいのではないかと思うんです。どちらかというと、古いものを調べるほうが好きですが、古いものも新しいものも同じ視点で捉えていたい。伝統的な方法でつくられたものが、最も新鮮に見えることもありますから。

私は、10年後に見ても美しいと思える服をつくりたい。ただ、それは単に上質な素材を使った、シンプルでベーシックな服という意味ではありません。ものづくりに真摯に向き合うからこそ宿る美しさがあり、そこにはつくり手の意思が感じられる。三宅の服には、そんな美しさがありました。普遍的でありながら、とても挑戦的。30～40年前のものでも、今着てみたいと思う服がたくさんあります。

周囲の動向を意識しすぎて、時代を捉えようとすればするほど、後から見たときに、いつの時代の服なのかがわかりすぎてしまうこともある。むしろ、自分が今つくりたいものや、抱いている問いに純粋に向き合うことが、結果として時代を超える表現につながるのではないかと思っています。

今回のビジュアルシリーズも、そうした感覚から生まれたものです。20年後に同じ企画に取り組んでも、またイエローキャブやマティーニを選んで、同じように回しているかもしれない。でも、そのときもきっと、美しいと思います。

ISSEY MIYAKE
https://www.isseymiyake.com/

取材・文：水島七恵　撮影：小野奈那子　編集：石田織座（JDN）